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bookmark_border比利 怀尔德:我们与好莱坞黄金时代的最后一丝联系

译 胡旻旻(成都)校对 Irelyn(武汉)审读 Kerin(北京)编辑 阿萌(北京)

比利·怀尔德作为一个经历了从“大制片厂制度”到独立制片制度崛起的转变时期,而且活跃于“新好莱坞”年代的导演,在整个美国战后电影时期扮演着至关重要的角色。他在三十年代成为编剧,在四十年代转为签约导演,至1950年已成为备受瞩目的制片厂导演。从20世纪50年代中期开始制片以来,他和他的编剧们在投资者和粉丝杂志中,因为能赚钱、总是试探观众的敏感度、以及讨好评论界而颇有名气。在二十世纪60年代早期,对他也许还存在一些挑剔的声音,但到20世纪七十年代中期,人们对怀尔德便都是赞扬和褒奖了。

他出生在奥匈帝国的一个商人家庭。在尝试走法律之路失败后,怀尔德受母亲少女时期在美国的经历启发而另寻他路(因为母亲痴迷于“野牛比尔科迪(Buffalo Bill Cody)”,他甚至曾经被叫做“Billie”)。他成长于战后满目疮痍但却受到美国慷慨援助的欧洲,因此深深沉迷于爵士音乐、查尔斯顿舞(Charleston)和道格拉斯·费尔班克斯(Douglas Fairbanks)。而1925年从大学辍学后,他丰富的美国文化知识使他成为了一名记者。在1926年,他采访了乐队领导者,保罗·怀特曼(Paul Whiteman)。他给怀特曼留下了非常深刻印象,并随同怀特曼参加了柏林站的演出。

在柏林,比利·怀尔德针对流行文化的批评进行了广泛的写作。一些接触后,他开始为德国的电影制片厂写稿。在1929年,他参与了《星期天的人们 》(Menschen am Sonntag, 1929)的剧本创作。通过追踪柏林人在休息日里漫无目的冒险活动,这部写实风格的电影保留下了一丝鲜见却核心的魏玛时期的影像记录。罗伯特·西奥德梅克(Robert Siodmak)和埃德加·G·乌默(Edgar G.Ulmer),分别由尤金·沙夫坦(Eugen Schufftan)和弗雷德·金尼曼(Fred Zinnemann)担任灯光师和摄影师,在柏林进行实地拍摄——很少有电影如此深刻地表现出了下一代人的焦虑和困惑。

纳粹掌权后,怀尔德在短暂逃往巴黎期间,得到了执导机会。电影《坏种》(Mauvaise Graine, 1933)讲述了一个富有年轻男人的道德沦丧。镜头融入在这种神经质的移动状态里,怀尔德的第一部电影预示了一种对妥协的主人公的思考,而这种思辨的力量,也推进了之后的故事走向高潮。

怀尔德一直向好莱坞投递他的故事和创意,而直到1934年,他才有一部作品被采用。为了学习英语,怀尔德曾经在一艘英国航船上旅行。英语没有学到多少,但他却得到了剧本写作的机会。1936年,他和查尔斯·布莱克特(Charles Brackett)开始了合作。这样儒雅博学的共和党人与辛辣开放的怀尔德的组合在当时引起了不小的轰动;但也为美国喜剧在对待性与人类缺陷的问题上,设立了更加圆滑精确的标准。在1938年的《蓝胡子的第八任妻子》(In Bluebeard’s Eighth Wife),和1941年的《火球》(Ball of Fire)与《良宵苦短》(Hold Back the Dawn)中,毫无戒心的男人们被美丽而聪明的女人欺骗。而1939年的喜剧《午夜》(Midnight)和《异国鸳鸯》(Ninotchka)更成为了情色暗示的教科书范本。但怀尔德和布莱克特的剧作的魅力和光辉,被恩斯特·刘别谦(Ernst Lubitsch)强烈的个人风格,以及如克劳德特·科尔伯特(Claudette Colbert)、贾利·库珀(Gary Cooper)、茂文·道格拉斯(Melvyn Douglas)和葛丽泰·嘉宝(Greta Garbo)等明星演员掩盖住了,这使得怀尔德决心创作一些只有大致轮廓,而并非为谁量身打造的故事。

和怀尔德一样,柏林人刘别谦也是30年代世界喜剧的典范。作为节奏掌控和化妆的大师,他以灵活而沉着的方式来表现社交生活中性的元素。但在这些浅表的魅力之外,《异国鸳鸯》(Ninotchka)中还有一种悲观情绪。正如序言:—这个故事发生在巴黎,—在那些美好日子里,赛壬是个棕发美人—而非警报。如果一个法国人—关上灯,也并不是因为空袭。 捕捉了旧世界慷慨的道德标准,还没有完全让位于战争和美国实用主义的时刻,而那时有黑暗: —莫斯科怎么样?—“非常好。最后的审判很成功。—会有更少但更优秀的俄罗斯人。”

这之后也被认为是怀尔德式的“愤世嫉俗”。而最终,怀尔德找到了一种平衡来表达战后生活的复杂问题。

他最终说服了派拉蒙让他执导《大人与小孩》(The Major and the Minor, 1942)。当时霍华德·霍克斯(Howard Hawks)正在完成《火球》,怀尔德在旁观摩。与60年代现代主义的视觉实验相反,怀尔德的电影呈现出一种并不花哨的影像效果,这使我们很容易联想到霍克斯。四十年代与编辑多恩·哈里森(Doane Harrison)的密切合作,补充完善了怀尔德的对白和画面水平,也促使了他关于讽刺当时时代的辛辣故事诞生。

四十多岁的怀尔德痴迷于美国文化,并因此有了很大的转变。流行音乐界始终青睐于那些讽刺善变爱情的歌曲。如果说《火球》植根于纽约的街巷隐喻,与雷蒙德·钱德勒合写的《双重赔偿》(Double Indemnity,1944)则是把握住了美国资本主义的价值观和形象。这时候的怀尔德也展现出了他对各式体裁的自如把握。《开罗谍报战(1943)》(Five Graves to Cairo,1943)作为一部非常具有创造性的战争电影,以一种新闻者般的热情讲述了西部沙漠被同盟国攻下的过程。颠覆了芭芭拉·斯坦威克(Barbara Stanwyck)和弗莱德·麦克莫瑞(Fred MacMurray)备受观众喜爱的角色形象,《双重赔偿》对变化中的美国持一种批判的态度。仔细回想这个颇具象征意义的组合:一个犯了偷窃的保险销售员和一位美艳无趣的索赔者;这种交换艰难、直白而且本质是残酷的,映射出一场进入最后血腥阶段的战争和美国(社会)性关系崩溃的前兆。独特的手法、性感的女人、以及在洛杉矶拍摄时使用的半明半暗的光线,使得这部“黑色电影(film noir)”成为鼻祖,成为快速叙事和社会文化共鸣上的杰作。

改编自一本讲述一个酒鬼的一生的畅销小说,电影《失去的周末》(The Lost Weekend, 1945)为担任导演和参与剧本创作的怀尔德赢得了奥斯卡,也宣告了他真正成为了一名好莱坞“玩家”。怀尔德1944年到1951年间的作品展现出一种实验性的自信尝试。在《失去的周末》中就有大胆的表现主义手法。如果要求为《璇宫艳舞》( The Emperor Waltz, 1948)画出雏菊,表现出了一个导演的不自量力,而在《日落大道》(Sunset Boulevard, 1950)中设计出的游泳池却始终启发性十足。

《柏林艳史》(A Foreign Affair, 1948)是怀尔德最好的作品之一,他对年代有着非常敏锐的触觉。故事回到他曾任政府宣传官员的柏林,《柏林艳史》设定在战后的一片狼藉和德国的黑市中。比利怀尔德百度云这样“肮脏”的喜剧讽刺了处于灰色地带中的美国中产阶级的道德标准。评论家安德鲁·萨里斯(Andrew Sarris)曾抱怨怀尔德在喜剧审美的推进过程中毁掉了琼·阿瑟(Jean Athur) 作为明星的魅力,而这种演变则体现在了《异国鸳鸯》(Ninotchka)到《日落大道》的发展之间。如果《柏林艳史》刺痛了沾沾自喜的中西部观众,《日落大道》则转向了寻求足以对抗工业本身的真相。

讲述了在“出人头地”和“走向终结”之间,一位失业编剧和一个年迈而自负的明星之间毁灭性的关系,昏暗光线下的《日落大道》显得漫长而艰难。怀尔德在作品中重新把“天真”、“经验”和“欺骗”等主题放在中心地位,使得这部电影与《公民凯恩》(Citizen Kane)比肩,尤其是后者中关于美国梦的追寻与破灭。这出设置在浮夸无用的好莱坞默片时代和三十年代社会现实主义之间的故事,清晰地展现了怀尔德的人文主义风格。 首先,以《双重赔偿》为例,大概是在主人公的画外音里展现;《日落大道》则看穿了一部电影光鲜表面之下的赤裸真相和艰难生存。在好莱坞内拍摄关于好莱坞的故事,它希望展现的则是战后怀尔德所感受到的混乱阴暗角落。而怀尔德对现代社会日益增长的怀疑,使得他最终与布莱克特分道扬镳。他的下一部电影一面赞扬了好莱坞审美,一面也猛烈地抨击了观众们。

怀尔德参与编剧并制作和执导的《倒扣的王牌》(Ace in the Hole, 1951) ,完全可以称得上是一部作者电影。围绕一个穷困潦倒的作家——这时候还是一名记者——因发现了一个埋葬活人的洞穴而声名大噪的故事展开;这桩悲惨新闻的报道却轻松被麻木人群的残暴狂欢掩盖。怀尔德的主人公多为城里人,但是,无论他们变得如何堕落,怀尔德显然更喜欢把他们当做外来的小镇人。围绕活力十足的查克·塔特姆(Chuck Tatum)(柯克·道格拉斯饰)展开的《倒扣的王牌》在塔特姆的观众和怀尔德的观众之间形成了一种隐喻,而怀尔德也借此赞扬了纽约式的勇气和怀尔德式的无所顾忌。

由于这部电影在口碑和票房上的失败,刚刚成为自由职业者的怀尔德转而投向百老汇的风格。怀尔德式的主题弥漫在这些电影里:《战地军魂》(Stalag 17, 1953)、《龙凤配》(Sabrina, 1954)、《七年之痒》(The Seven Year Itch, 1955) 等,在这些电影里他审视了一个为物质消费所困的社会。《双重赔偿》重温了战时因为郊区无政府状况下的性政治而造成的性混乱;《战地军魂》则设在1944年的一个德国战俘营,展现了美国国内关于私有企业和和公共义务的争论。详细表现这些被关押者的挫败情绪之余,《战地军魂》也迎合了五十年代对男子气概的过分关注,同时反省了许多战争电影的陈旧套路。他在《日落大道》里成就了威廉·霍尔登(William Holden)、乔·吉利斯(Joe Gillis),也塑造了一个妥协的战后怀尔德式英雄模版。

被低估的《七年之痒》则提出了一个问题:要如何在对“性”过分保守的时代,达到个人有限的精神幻想并与之统一?这部电影采用了“CinemaScope”的宽银幕系统,使得画面在拍摄时首先被“挤压”在厚块胶片中,放映时又拉伸还原到银幕上。电影通过胆小的编辑(汤姆·伊威尔饰)和楼上没心没肺的性感女郎(玛丽莲·梦露饰)之间的暧昧关系,试图在一种同样名为“七年之痒”的迸发的文化中,制造笑料和表达一种畏畏缩缩的真诚。这部电影可以说是怀尔德最温柔的时刻之一。

而《龙凤配》和《黄昏之恋》( Love in the Afternoon,1957)则指向了美国高度发展的资本主义,而这些电影很大程度上都在展现奥黛丽·赫本的男孩子式的天真气质——这一体系下的另一产物。在七十年代试图挽救怀尔德的重要地位时,辛雅德(Sinyard)和特纳重启了“刘别谦式”的电影。但是,事后来看,“欧洲人”怀尔德在《璇宫艳舞》到《两代情》(1972)中,缺失了《桃色公寓》(The Apartment,1960)和《飞来福》(The Fortune Cookie,1966)中对战后世界的感知度。

辛雅德(Sinyard)和特纳所反对的,是怀尔德作品里的庸俗内容,而这也正是宝琳·凯尔在60年代就指出的问题。迎合不上正当潮流的解放时代,怀尔德从绝妙的异装喜剧《热情似火》(Some Like it Hot, 1959)突然转向粗鲁的政治讽刺片《玉女风流》(One, Two, Three, 1961)。无论导演中心制变得如何重要,怀尔德和I·A·L·戴蒙德在1964年,为应对“夏皮罗-亨宁”组合和多丽丝·戴(Dorris Day)或洛克·哈德森(Rock Hudson)剧本的商业成功,而推出了《红唇相吻》(Kiss Me, Stupid),但糟糕得像一团乱麻。

怀尔德和戴蒙德从1957年开始合作,代表着犀利内容和深邃结构的结合,而这正是怀尔德从与布莱克特合作时就在找寻的。对于怀尔德来说,戴蒙德“知道如何把管子合适地组合在一起”。而怀尔德对言语艺术和美国语言的抑扬顿挫的熟悉,则始终贯穿在《火球》、《飞来福》和《热情似火》等电影中。

《飞来福》是关于美国保险行业三部曲的最后一部,也是对痴迷于天降好运文化的隐喻。如果说《双重赔偿》揭露了美国保险人关系的黑暗面,《桃色公寓》讲述了半个国家的人企图欺骗另一半的人,那么《飞来福》则表现了这另外一半要如何报复回去。《桃色公寓》主要讲述了一个职员为获得升职机会,把他的公寓租给上司用以寻欢作乐的故事。杰克·莱蒙(Jack Lemmon)饰演的C.C. Baxter就是普通大众在共同的道德标准上相互包庇的象征,同时也是以莱蒙本人为原型的。其对好莱坞传统经典的回顾与现实无缝对接,而所采用的宽屏技术更是当时最先进的。同时《桃色公寓》预言了电影中的“美国世纪”从《总统班底》( All the President’s Men, 1976)到《拜金一族》(Glengarry, Glen Ross, 1992)的衰落。

《飞来福》可能是怀尔德最后一部把握住了文化脉搏的电影,同时也是一部黑暗的社会寓言:当成千上万的人看电视的时候,政府则看着你们。当哈利·亨克(莱蒙)在一场橄榄球比赛中受了轻伤时,他的律师,也是妻兄威利·金里奇(沃尔特·马修)希望借此起诉而获得巨额赔偿金。这个孤独的伪截瘫患者在任人摆布地向一个大公司诈取保额时,遭到了一个脏兮兮的侦探的调查;这适时地暗喻了“大政府”对私人生活的干预。马修扮演的律师甚至就像尼克松,而那些漏洞和摄像机显然预示了水门事件。

在制作和娱乐之外,怀尔德与莱蒙和马修的合作使他建立了制片工作上的声望,并有了一些自传的味道。《飞来福》通过使威利“导演”怀尔德的明星,委婉地展示了怀尔德和莱蒙之间融洽的工作关系。《满城风雨》(1974)显示出他们不愿意放弃“坏机灵鬼-善良笨蛋”这样的模式。其他的怀尔德的电影则改编自他们自己的经历。《倒扣的王牌》复刻了作者与观众之间微妙的关系。《双重赔偿》则直接讲述了一个故事。而《日落大道》,以及怀尔德在《大人与小孩》到《热情似火》中的主题,更多围绕明星们和配角们展开,详细刻画了明星文化。

在七十年代,怀尔德深受筹资困难影响,也被时尚的左右。尽管《福尔摩斯秘史》(Sherlock Holmes, 1970)被有幸看过完整版的人们视作经典,《满城风雨》(The Front Page)却可能是这位工作室工匠最后一部颇具个性的作品了。讽刺的是,为寻回《日落大道》死亡般的浪漫主义而拍摄的《丽人劫》(Fedora, 1978),显得十分过时。而被误判的《患难之交》(Buddy Buddy, 1981),却应该是怀尔德的最后一部重要电影。在晚年专注于参加颁奖仪式、颁发奖项、电影学校研讨会,并不时待在他位于比弗利山庄的办公室里的怀尔德,也成为了一位十分厉害的讲述者和有名的艺术收藏家。他是我们与好莱坞黄金时代最后的一丝联系;而我们欠他一个在美国电影史上,清晰、有趣同时影响深远的作品。

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bookmark_border关于电影荧幕的尺寸和比例是怎么规定的?

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16:9,16:10,4:3等,后期会根据导演意图、影片想要表达的主题立意去选择最后呈现的尺寸大小。冯小刚《我不是潘金莲》带有窥探小视的圆形,还有很多电影使用4:3这种尺寸人物显得更受束缚等等。最终还是看导演想要表现传达某种思想哲理,所以尺寸使用很灵活。

展开全部电影银幕并没有一个标准的大小,因为这与影院的面积、放映机与银幕的距离等有关。一般来说,银幕都是按照4:3的比例做成的。

银幕对电影欣赏经历产生几个方面的影响-最重要的是在电影画面质量方面:亮度,彩色还原和对比度并通过潜在银幕中的瑕疵分散注意力。银幕还能对银幕后扬声器系统的声学性能特别是高频损失方面产生影响画面理想的亮度水平通过参照全世界公认的SMPTE标准来确定。该标准规定,从中心位置观看时,银幕中心亮度要达到16尺朗伯(每平方厘米55烛光)银幕四角最低亮度为12尺朗伯。怀尔德

观众所见的银幕亮度取决于数个因素:放映灯发出的光,放映灯光从反光镜穿过镜头和放映窗玻璃到银幕间的光损失和从银幕来的反射光。现代电影院放映机使用氙灯(相对于旧式碳精灯技术)有各种不同功率, 根据银幕尺寸的大小不同,大多数多厅影院的氙灯功率为2.0千瓦到7.0千瓦,灯功率越大光输出就越大,但氙灯的成本也越高耗电量也越大。

银幕是反射回观众光亮度的主要因素。白塑幕使光散射,并将大多数光反射到天花板和边墙上因此被损失了。被称为“增益”的银幕将更多的光直接返回观众。银幕的增益水平与反射回的光量有关,其测量按照参照标准进行(具有光反射值为1的碳化镁板)。商业白塑幕的反射率各有不同,但通常具有根据参照标准的0.8-1.0反射率。”增益”银幕可具有2或更高的增益水平,但用于影院的银幕则根据影厅银幕的大小通常最佳为1.4-1.8。超过11米宽的银幕使用增益银幕通常会有所收益,银幕宽度超过14米时最好使用高增益(1.8)的银幕。增益超过1.8的高增益银幕会产生”热点”(即画面中心看上去过亮)。

现在有些影院正在使用数字放映作为35毫米胶片放映的选项。最新型的数字放映机可输出高达17000流明的亮度。在数字放映中光输出有可能达不到传统放映机的亮度,因此银幕宽度大于 10米时使用增益银幕会有所收益。

白塑幕通常安装在平直银幕架上.然而为了使光的反射和影厅各部分的观看角度达到最佳,增益幕最好安装在弧形银幕架上。电影比例由于白塑幕使光散射,若使用弧形幕架会产生对比度的损失因此不推荐使用。增益银幕的弧形的弧度取决于诸多因素,但通常采用20:1的弦高比。 所有银幕的可见亮度随着观看角度不同而不同,但总体来说在给定功率的放映灯条件下所有增益银幕都提供了比白塑幕亮度更高的画面。

bookmark_border网络电影整体市场规模突破30亿 付费比例持续扩大

央广网上海6月11日消息(记者 方婧)在网络综艺、网络剧、网络电影三大内容领域中,网络电影市场凭借项目周期短、准入门槛低、投资回报率高的特点,走出了一条属于自己的独特之路。

据了解,各大在线%;与此同时,网络电影的整体市场规模突破30亿,独播、付费比例持续扩大,还有向院线电影合流的趋势。

近年来,随着观众欣赏水平的不断提高,网络电影创作者自觉提高标准,追求精品成为行业自觉。

回望2018年的网络电影创作题材,爱情、动作、喜剧、悬疑、剧情五大类优势扩大,其中爱情类占比27.6%,悬疑类17.6%,动作类16.6%。在有效播放中,高达30%的比例都是动作片,20.8%是悬疑片,18.5%是爱情片,在年度播放排名前二十的作品中,同样是动作片最为强势。而惊悚、恐怖题材网络电影的数量则从2017年的258部,下降到了2018年的116部,下降幅度超五成。

值得一提的是,不少网络电影也逐步融入主流表达,关注现实生活。例如,《罪途》系列用本格推理风格探讨校园霸凌等严肃的社会问题,悬疑的外壳下有坚实的内核;《阿浪的远方》聚焦支教青年,关注山区儿童的成长和民族文化的传承;《那年1987》以改革开放为背景,展示一代青年人背井离乡、拼搏奋斗,透过小人物折射大时代……不难看出,如今的网络电影正在纳入青春励志成长、艰苦奋斗创业等正能量元素,逐步实现着思想性、艺术性、观赏性的统一。

数据显示,2018年的网络电影中,独播比例占95.2%,
更多精彩尽在这里,详情点击:http://musclegainup.com/,怀尔德付费比例占88.6%。而在刚刚过去的2019年一季度,独播占比已经上升到了96.6%,付费占比100%。各大平台对独家合作影片提供更高分成及补贴,吸引优质内容,保证平台优势。

尽管市场环境大好,但“二八效应”之下,仅有为数不多的头部作品能够“笑傲江湖”。2018年新上线网络电影正片中,有效播放量超过1亿次的仅有1部,5000万到1亿次的1部,2000万到5000万次的20部,而100万次以下的却高达872部。与此形成呼应的是,优酷播出的《大蛇》单片分账金额突破5000万元,成为2018年度分账金额最高的网络电影。去年在互联网影视峰会上斩获佳绩的《灵魂摆渡·黄泉》分账金额突破4000万元,还有约30部网络电影的分账金额突破千万大关。

与此同时,网络电影积极向院线电影靠拢,二者开始呈现融合趋势。2018年,获得《电影片公映许可证》却以互联网为第一发行渠道的作品一共有146部,比去年增长了370%,《S4侠降魔记》《九门提督》《香港大营救》《天下第一镖局》等对标院线电影的作品,通过“先网后院”“院网同步”等多种发行方式,获得了较好的传播效果。

2018年是网络电影市场“减量提质”的一年。面对影视行业发展过程中的机遇与挑战,网络电影逐渐融入主流表达和现实生活,积极探索为大众所接受的传播方式。2019年,期待网络电影创作出更多受观众喜爱的优秀作品。

网络大电影的春天还远吗?,在这种“急功近利”的短视导向下,网络大电影集聚了大量的行业泡沫。爱奇艺付费研究院根据各视频平台公开信息估算分析发现,短短三年时间,网络大电影制作领域泡沫呈现几何级上升。

8月31日,“网络电影产业:‘文创中心’的机遇、挑战与对策”研讨会在成都大学国际学术交流中心举行。20余位业内专家学者围绕网络电影产业的特点,及其如何与成都建设文创中心相融合等进行了充分的研讨,并提出针对性的政策建议。

网络电影三部曲《天才J》探班 精神病院械斗震撼首曝光,由优酷、莱可传媒共同出品的强情节烧脑网络电影三部曲《天才J》自7月开拍以后,一直备受关注。电影比例8月26日剧组首度开放媒体探班,当天拍摄的是男主角阿J(陈思宇饰)和他的死敌Satan(小夕饰)在精神病院内的戏份。

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各大在线%;与之同时,网络电影的整体市场规模突破30亿,独播、付费比例持续扩大,还有向院线电影合流的趋势。

bookmark_border专访丹麦导演比利·奥古斯特:我的关注点是战争中的人性而非二战

奥古斯特:此前,我没有拍过有关二战的电影。实际上,我认为关于战争的电影,大都是无聊的,它们多是一些很简单、大家都可以拍的很机械化的东西。实际上,这个诞生在战争中的故事,我最感兴趣的是故事本身所讲述的人与人之间的关系。

真实的历史事件发生在浙江丽水。日本偷袭美国珍珠港后,由64名飞行员组成杜立特飞行队轰炸东京,后因油料不足迫降到丽水境内,其中56名飞行员被当地百姓救起并安全送回美国。此次救助事件使中国遭到了日本发动的细菌战等残忍手段疯狂报复,招致近25万中国百姓遇难。

电影讲述了执行轰炸任务的美国飞行员杰克因意外迫降在中国境内,经军官遗孀英子以及中国军民冒死救助成功回国的故事。

这部电影由丹麦导演比利·奥古斯特执导。比利·奥古斯特生于1948年,1988年他执导的电影《征服者佩尔》夺得第41届戛纳电影节金棕榈奖,第二年又获得第61届奥斯卡最佳外语片奖;1992年他再凭电影《最美好的愿望》,二次斩获戛纳金棕榈。

在电影首映式上,21世纪经济报道(以下简称《21世纪》)记者专访了比利·奥古斯特。

奥古斯特:此前,我没有拍过有关二战的电影。实际上,比利导演我认为关于战争的电影,大都是无聊的,它们多是一些很简单、大家都可以拍的很机械化的东西。实际上,这个诞生在战争中的故事,我最感兴趣的是故事本身所讲述的人与人之间的关系。故事的主角,这位中国军人遗孀,在她被规定的人生里面,是不能和死去的丈夫之外的其他男人有太多的交集关系。她在村庄里面是一个被孤立的角色,突然之间出现的一个美国大兵杰克这样的男性角色,在语言不通的状态下,对她的人生震动以及所有情绪的改变,这是我最感兴趣的部分。

奥古斯特:我读过很多关于中国文化的书籍,一直想拍一部关于中国的电影,想通过外国人的角色来讲中国故事。后来,在制片人孙鹏的推荐下,我读到了这个中国村民拯救美国大兵的故事,它吸引了我。
更多精彩尽在这里,详情点击:http://musclegainup.com/,怀尔德我想这是讲述中国故事一个很好的切入点,这是我拍的第一部关于中国的电影。

《21世纪》:在故事中,女主角与村长和美国大兵都有过争议的暧昧关系,你怎么看这两种关系?

奥古斯特:从女主角英子的角度来看,她与村长之间并无暧昧关系。她很清醒地知道,他们之间不可能发生任何暧昧关系,这段暧昧情感是不存在的。这与她和美国大兵杰克之间的关系是完全不同的,杰克所处的环境与村长也是完全不同的。

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bookmark_border《比利·林恩的中场战事》北京首映盛大启动 李安导演现场亲授“观影指南”

华龙网11月6日15时讯(记者 董进)李安导演新作《比利·林恩的中场战事》本月启动中国巡回宣传之旅,继11月2日在台北举行首映礼引起轰动后,今(6)日在北京举行首映发布会,以此开启内地双城活动。李安导演携主演乔·阿尔文、李淳出席。本次发布会将长达一个小时时间留给李安导演与媒体进行深入的开放式交流,借此机会请导演为影迷们解读新片,亲授“观影指南”。李安表示希望通过媒体朋友寄语观众,希望大家抱着开放的心态,接纳新的拍摄方式,好好体会比利的内心世界。

李安导演暌违四年,此次携《比利·林恩的中场战事》归来,奥斯卡级佳作引人眼球。新片中大胆采用超越现有拍摄格式的120帧/4K/3D格式拍摄,技术上领先影史二十年,创造了电影制作“新白金标准”。博纳影业集团总裁、创始人于冬在讲线帧是对现有拍摄技术的颠覆,李安导演敢于以身试险,大胆采用120帧,这本身就值得尊敬。投资人对李安导演会全力支持。对于为何使用如此超前的标准,李安导演说:“我就是想看到它做出来的样子。3D电影对画面的要求更高,帧数到八九十帧以上,画面的闪烁就消失了,看上去会非常清晰流畅,真实感很强,就像演员站在你面前表演。”观众该以怎样的心情迎接如此“真实”的电影呢?李安导演笑言:“不用特意准备什么,开放你的感官,放松心情,跟着比利一起去感受就好了。”

虽然李安导演在技术上大胆突破,但技术依然是为故事服务的手段。谈到新片的故事,李安导演说:“这部电影探讨的是一个少年成长的故事。少年比利从战场回来,经历了纯真的丧失,最后变为成人。”片子从画面到故事都力求真实,画面贴近现实,故事真情实感。“我想传递给观众的概念就是军人不是我们想象中的样子,希望大家去了解真正的军人的想法,关注这个群体。”

在新片中李安导演一如既往,大胆起用新生代演员担纲主角,其中饰演比利·林恩的乔·阿尔文更是第一次参演电影就与世界顶级导演合作。对于和李安导演合作的感受,乔·阿尔文谈到:“我是李安导演的粉丝,非常幸运能和他合作。李安导演是一个有极强洞察力的人,他对自己要的东西非常清楚,对我也非常耐心。有些特写镜头对情感的要求很微妙,李安导演就很仔细地给我讲怎么演。我对自己在影片中的表现比较满意,我想比利很像我,都对周围的世界非常敏感,会经常处于迷惑和思考中。”李安导演称赞乔·阿尔文有天分:“他非常像我,很有悟性,也很帅。如果要拍我的自传,就找他来演。”

李淳在发布会上谈到了拍摄战争场面的经历,坦诚“最难拍的就是战争戏,拍之前我们都参加了军事训练。本来是打算最后拍,两天完成,但中间出了各种状况,13天才完成。发射火箭炮那场很危险,不过是一次非常奇妙的经历。”李安导演也透露,当时最大的爆炸物就在李淳身边,让他有点担心,不过,能让自己的儿子开火箭炮,也不是一般的爸爸能做到的,导演对此非常“自豪”。李淳说道:“李安导演在片场用普通演员的标准要求我,非常严格。相比生活中的父亲和作为电影导演的父亲,我觉得前者给了我爱,后者给了我成长。”对此李安导演说:“李淳悟性很高,在片场表现很好,我为他骄傲。”

李安导演的新作《比利·林恩的中场战事》由特别介绍乔·阿尔文,克里斯汀·斯图尔特、克里斯·塔克、加勒特·赫伦德、李淳主演,范·迪塞尔、史蒂夫·马丁特别演出。影片通过19岁美国士兵比利·林恩的视角展现一段奇妙的“英雄之旅”。比利在伊拉克战争中因勇敢救援战友被誉为美国英雄,并与战友一起被召回国内进行巡回宣传,在参加一场感恩节橄榄球公开赛中场表演的过程中,比利经历了人生中“最荣耀又最糟糕的一天”。新作除120帧外还制作了多个版本,导演李安特别强调,这次他对每种3D版本都亲自调整再创作,观众无论看哪种版本都可以感受李安导演对这作品的创作理念。影片将于11月11日分别以120帧/3D/4K,60帧、24帧/3D等多种规格在内地上映。

李安新片《比利·林恩的中场战事》11日上映 重庆观众无缘120帧/4K/3D版本

《比利·林恩的中场战事》北京首映盛大启动 李安导演现场亲授“观影指南”

【摘要】 次发布会将长达一个小时时间留给李安导演与媒体进行深入的开放式交流,借此机会请导演为影迷们解读新片,比利导演亲授“观影指南”。李安表示希望通过媒体朋友寄语观众,希望大家抱着开放的心态,接纳新的拍摄方式,好好体会比利的内心世界。

华龙网11月6日15时讯(记者 董进)李安导演新作《比利·林恩的中场战事》本月启动中国巡回宣传之旅,继11月2日在台北举行首映礼引起轰动后,今(6)日在北京举行首映发布会,以此开启内地双城活动。李安导演携主演乔·阿尔文、李淳出席。本次发布会将长达一个小时时间留给李安导演与媒体进行深入的开放式交流,借此机会请导演为影迷们解读新片,亲授“观影指南”。李安表示希望通过媒体朋友寄语观众,希望大家抱着开放的心态,接纳新的拍摄方式,好好体会比利的内心世界。

李安导演暌违四年,此次携《比利·林恩的中场战事》归来,奥斯卡级佳作引人眼球。新片中大胆采用超越现有拍摄格式的120帧/4K/3D格式拍摄,技术上领先影史二十年,创造了电影制作“新白金标准”。博纳影业集团总裁、创始人于冬在讲线帧是对现有拍摄技术的颠覆,李安导演敢于以身试险,大胆采用120帧,这本身就值得尊敬。投资人对李安导演会全力支持。对于为何使用如此超前的标准,李安导演说:“我就是想看到它做出来的样子。3D电影对画面的要求更高,帧数到八九十帧以上,画面的闪烁就消失了,看上去会非常清晰流畅,真实感很强,就像演员站在你面前表演。”观众该以怎样的心情迎接如此“真实”的电影呢?李安导演笑言:“不用特意准备什么,开放你的感官,放松心情,跟着比利一起去感受就好了。”

虽然李安导演在技术上大胆突破,但技术依然是为故事服务的手段。谈到新片的故事,李安导演说:“这部电影探讨的是一个少年成长的故事。少年比利从战场回来,经历了纯真的丧失,最后变为成人。”片子从画面到故事都力求真实,画面贴近现实,故事真情实感。“我想传递给观众的概念就是军人不是我们想象中的样子,希望大家去了解真正的军人的想法,关注这个群体。”

在新片中李安导演一如既往,大胆起用新生代演员担纲主角,其中饰演比利·林恩的乔·阿尔文更是第一次参演电影就与世界顶级导演合作。对于和李安导演合作的感受,乔·阿尔文谈到:“我是李安导演的粉丝,非常幸运能和他合作。李安导演是一个有极强洞察力的人,他对自己要的东西非常清楚,对我也非常耐心。有些特写镜头对情感的要求很微妙,李安导演就很仔细地给我讲怎么演。我对自己在影片中的表现比较满意,我想比利很像我,都对周围的世界非常敏感,会经常处于迷惑和思考中。”李安导演称赞乔·阿尔文有天分:“他非常像我,很有悟性,也很帅。如果要拍我的自传,就找他来演。”

李淳在发布会上谈到了拍摄战争场面的经历,坦诚“最难拍的就是战争戏,拍之前我们都参加了军事训练。本来是打算最后拍,两天完成,但中间出了各种状况,13天才完成。发射火箭炮那场很危险,不过是一次非常奇妙的经历。”李安导演也透露,当时最大的爆炸物就在李淳身边,让他有点担心,不过,能让自己的儿子开火箭炮,也不是一般的爸爸能做到的,导演对此非常“自豪”。李淳说道:“李安导演在片场用普通演员的标准要求我,非常严格。相比生活中的父亲和作为电影导演的父亲,我觉得前者给了我爱,后者给了我成长。”对此李安导演说:“李淳悟性很高,在片场表现很好,我为他骄傲。”

李安导演的新作《比利·林恩的中场战事》由特别介绍乔·阿尔文,克里斯汀·斯图尔特、克里斯·塔克、加勒特·赫伦德、李淳主演,范·迪塞尔、史蒂夫·马丁特别演出。影片通过19岁美国士兵比利·林恩的视角展现一段奇妙的“英雄之旅”。比利在伊拉克战争中因勇敢救援战友被誉为美国英雄,并与战友一起被召回国内进行巡回宣传,在参加一场感恩节橄榄球公开赛中场表演的过程中,比利经历了人生中“最荣耀又最糟糕的一天”。新作除120帧外还制作了多个版本,导演李安特别强调,这次他对每种3D版本都亲自调整再创作,观众无论看哪种版本都可以感受李安导演对这作品的创作理念。影片将于11月11日分别以120帧/3D/4K,60帧、24帧/3D等多种规格在内地上映。

李安新片《比利·林恩的中场战事》11日上映 重庆观众无缘120帧/4K/3D版本

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bookmark_border除了比利·怀尔德谁还能把玛丽莲·梦露拍得这般热情似火

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bookmark_border分析:广西梦露雕像被拆 这还没到七年之痒呢

6月18日,广西贵港,一尊巨型玛丽莲·梦露雕像被弃置一处垃圾站。据报道,该雕塑用不锈钢制成,
更多精彩尽在这里,详情点击:http://musclegainup.com/,怀尔德高8.18米,重约8吨,由华南师范大学教授率团参考电影《七年之痒》剧照和美国雕塑《永恒的梦露》,历时两年完成。于去年底在贵港“唐人街”商业项目开业时推出,号称中国最高的玛丽莲·梦露大型逼线日,广西贵港,一尊巨型玛丽莲·梦露雕像被弃置一处垃圾站。据报道,该雕塑用不锈钢制成,高8.18米,重约8吨,由华南师范大学教授率团参考电影《七年之痒》剧照和美国雕塑《永恒的梦露》,历时两年完成。于去年底在贵港“唐人街”商业项目开业时推出,号称中国最高的玛丽莲·梦露大型逼真雕塑。

6月18日,广西贵港,一尊巨型玛丽莲·梦露雕像被弃置一处垃圾站。据报道,该雕塑用不锈钢制成,高8.18米,重约8吨,由华南师范大学教授率团参考电影《七年之痒》剧照和美国雕塑《永恒的梦露》,历时两年完成。于去年底在贵港“唐人街”商业项目开业时推出,七年之痒梦露经典号称中国最高的玛丽莲·梦露大型逼线日,广西贵港,一尊巨型玛丽莲·梦露雕像被弃置一处垃圾站。据报道,该雕塑用不锈钢制成,高8.18米,重约8吨,由华南师范大学教授率团参考电影《七年之痒》剧照和美国雕塑《永恒的梦露》,历时两年完成。于去年底在贵港“唐人街”商业项目开业时推出,号称中国最高的玛丽莲·梦露大型逼真雕塑。

微软、索尼、任天堂发表联合声明:反对美国政府向中国生产的游戏机征收25%的关税

bookmark_border影星道具服装拍卖行情见涨 梦露《七年之痒》所穿白色礼服460万美元拍出

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据英国广播公司6月19日报道,已故好莱坞著名影星玛丽莲•梦露在电影《七年之痒》中穿过的一件白色礼服日前以460万美元(约合2979万元人民币)在洛杉矶的一家拍卖行被售出。

这件礼服的收藏者是女演员戴比•雷诺兹,她四十多年来共收藏有3500多件电影道具和服装等纪念品。雷诺兹本想建一座博物馆来陈列这些收藏品,但是最终未能如愿,位于洛杉矶的“历史档案”拍卖行此前预计梦露的这件礼服能拍得大约200万美元(约合1295万人民币),但最终被一位没有透露姓名的买家用电线万美元收入囊中。

此次拍卖会其他几件令人瞩目的拍品包括伊丽莎白•泰勒在电影《埃及艳后》中戴过的头饰、查理•卓别林的礼帽,以及朱莉•安德鲁斯在电影《音乐之声》中弹过的吉他等。七年之痒梦露经典

梦露在电影《绅士爱美人》中穿戴过的一件红色亮片礼服和羽毛头饰以及在电影《大江东去》中穿过的一件酒吧歌女装分别以147万美元(约合952万元人民币)和以51万美元(约合330万元人民币)拍出;卓别林在《小流浪汉》等多部电影中戴过的标志性礼帽拍得13.53万美元(约合88万元人民币);朱迪•加兰在电影《绿野仙踪》中穿过的一双红宝石拖鞋则拍到了175万美元(约合1133万元人民币)。

科亚•摩根也是爱好收藏梦露从影纪念品。同时也撰写过梦露的传记,他认为“在经济衰退的情况下,举行这场拍卖会完全是疯狂的”。而雷诺兹则表示,多年来藏品的维护成本变得越来越高昂,此次拍出这些拍卖品将意味着“不再需要负那么多责任了”。

bookmark_border查理·卓别林是哪国哪民族人?

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2007年毕业于兰州大学管理学院行政管理专业,学士学位。工会工作5年从业经历;档案工作7年从业经历。1、查理·卓别林(Charles Chaplin),1889年4月16日出生于英国伦敦,日耳曼民族,英国影视演员、导演、编剧。

2、卓别林的第一部电影是《谋生》。从1915年开始卓别林开始自编自导自演,甚至还担任制片和剪辑。稍后他加入了埃斯安尼公司,并于1917年出品了《移民者》和《安乐街》,1918年他和他的兄弟在洛杉矶开了自己的公司。并在1919年召集到了道格拉斯·费尔班克斯等人。但直到1923年,卓别林才为这个公司拍了第一部影片《巴黎的女人》。之后1925年的《淘金者》和1927年的《大马戏团》为卓别林赢得了学院奖。1931年因为《城市之光》的首映卓别林来到伦敦,转年才返回,他的下一部影片是1936年的《摩登时代》。四年之后他拍摄了《大独裁者》。1949年,他的有声电影《舞台生涯》上映,同年他被传为人而被卷入麦卡锡主义的迫害中。不满于美国的对他的不公正待遇,他移居瑞士。怀尔德1967年他拍摄了最后一部影片《香港女伯爵》,1977年受勋,1977年圣诞节于瑞士家中去世。享年88岁。

展开全部1889年,卓别林出生于英国伦敦南部地区的一个演艺家庭,父母都是艺人。从他很小的时候开始他的父母就分居,查理与他的同母异父的哥哥雪尼·卓别林随他们的母亲生活。1896年他的母亲失业,兄弟两人被送入伦敦兰贝斯区的一个少年感化院。几周后他们又被送入一个收养孤儿的学校。卓别林12岁半时,父亲酗酒去世,母亲患精神病,最后被送入一个精神病院。当时雪尼和查理不知道他们还有一个被父亲抚养大的同母异父的兄弟,后来这个兄弟跟查理·卓别林在好莱坞的制片厂中工作。1920年查理·卓别林将他的母亲接到美国,1928年母亲在好莱坞逝世。因父亲在37岁时早逝,母亲又患神经病,年幼的卓别林被送进贫民孤儿学校。7年後,他离开了孤儿学校,成了一名流浪儿。他当过报童、杂货店小夥计、玩具小贩、医生的小佣人、吹玻璃的小工人,还在游艺场扫过地。 早年的贫困生活启发了他后来创造流浪汉的灵感;小胡须、细手杖、大号裤子及皮鞋,以及歪歪扭扭的正式晚礼服,暗示了在儿童天真的想象中的威严的成人,意在用一个天真无邪的形象重新塑一个下层阶级的代表。17岁时,卓别林进入了当时非常有名的卡尔诺剧团。在这里,卓别林有生以来遇到了使他终生受益的良师卡尔诺,正是卡尔诺,把卓别林带进了喜剧的最高行列。

1894年卓别林五岁时在伦敦的一俱乐部代替他的母亲首次登台表演(母亲嗓子突然沙哑)。他小时候曾生过一次大病,数星期躺在病床上,晚上他的母亲在窗前给他表演外面发生的事情。1900年他的哥哥为他在伦敦竞技场上演的哑剧《灰姑娘》中扮演一只戏剧性的猫的角色。1903年他获得了一个新角色,后来不久他获得了他的第一个正式角色,扮演《夏洛克·福尔摩斯》中的一个报童。直到1906年他扮演这个角色。此后他在一个杂技团里工作,次年在弗莱德·卡尔诺(Fred Karno)的喜剧团里扮演小丑。

根据美国移民纪录查理·卓别林是于1912年10月2日随同卡尔诺哑剧剧团进入美国的。当时卡尔诺哑剧剧团的成员还包括斯坦·劳雷尔,卓别林和劳雷尔在旅店里分享一屋。后来劳雷尔回到英国,而卓别林则留在美国。当时电影导演麦克·塞纳特看到卓别林的表演后在雇用卓别林。卓别林在那里与喜剧演员玛布尔·诺曼德合作。1914年到1923年间,卓别林拍摄了大量的短片,以精湛的哑剧技巧、完美的银幕形象成为闻名世界的喜剧演员——事实上他可以说是第一名世界明星。卓别林成立了自己的电影公司,这样他可以自己控制自己的电影。 在卡尔诺剧团,卓别林有很多机会可以去巡回演出,他很希望能去美国。1912年,卓别林梦想成真,他在美国的演出非常轰动,以至于引起美国电影制片商的兴趣。在最孤独寂寞的时期,他一生中的转折点慢慢到来。当时,启斯东公司的老板赛纳特一眼相中了这个来自异国他乡的青年,卓别林开始了向往已久的演员生活。 《摩登时代》

卓别林在启斯东扮演各种各样的角色,多半是凶狠的、轻浮的、散漫的、狡猾的和丑陋的。这些人物符合启斯东的“理想”,但和卓别林独具一格的整套喜剧手法很不协调。卓别林曾说:我并不很喜欢自己的早期影片,因为在这些影片中我很不容易控制住自己。一两块奶油蛋糕飞到人的脸上,也许还有点逗趣,可是,如果整个喜剧性仅仅依靠这种办法,那么影片马上就会变得单调而索然寡味了。也许我并没有能够一贯做到实现我的意图,不过,我是一千倍地更喜欢用一种俏皮的姿态、而不愿用粗鄙和庸俗的行为去赢得笑声。 卓别林基于他真正艺术家的天性,越来越清楚地意识到幽默对生活基础的特殊意义。他开始从早期的滑稽电影中摆脱出来,逐渐地把严肃的题材和喜剧片的传统手法非常巧妙地结合起来。

宣传图片(18张)在卓别林对现实的讽刺影片中占有特殊地位的、是他1918年拍摄的《狗的生涯》。这部影片中,深思代替了嬉笑,忧郁代替了嘲弄。通过这部影片,他放弃了滥用的低级趣味,而以发人深省的笑代替了纯生理的笑;用同情的微笑代替哈哈大笑。“不朽的流浪者”夏尔洛,露宿街头,处处受辱,当他从职业介绍所碰了壁狼狈地走出来时,茫然地看见门口的几只狗正在争夺一块骨头。这辛酸的一笔正是残酷人生的真实写照,也是童年卓别林的线日,卓别林自己的制片厂正式落成。这天,他兴高采烈地穿上那双举世闻名的夏尔洛的大皮鞋,在未干的水泥地上踏下一个脚印。 卓别林力图通过电影反映出时代的特征。他说,创作喜剧,其中的悲剧因素往往会激起嘲笑的心理,而嘲笑正是一种反抗。 1929年从美国开始的经济危机迅速席卷了整个资本主义世界。此时拍摄的《城市之光》描写夏尔洛爱上一个卖花的盲女,盲女却误以为他是百万富翁。为了给卖花女攒钱治病,夏尔洛吃尽苦头弄来一笔钱,卖花女眼睛治好才知道自己的恩人原来是个乞丐式的穷人。 《淘金记》

提出的问题更为尖锐深刻的片子是《摩登时代》。贪得无厌的资本家为了追求利润,不顾工人死活,无限增加工人的劳动强度,甚至异想天开地发明“吃饭机”,连工人短短的午饭时间也不放过。由于夏尔洛整天在传送带旁操作,机械地重复拧螺丝的单调工作,因而神经失常,被送进医院,然而等病治好了,他却失业了。这部影片不仅思想内容深刻,而且在演技上也达到炉火纯青的地步。 谴责战争贩子和军火商的《凡尔杜先生》,描写银行小职员凡尔杜忠心耿耿地干了二十年,受尽剥削,在一次经济危机中被踢出银行,为了养家糊口,被迫走上了犯罪道路。凡尔杜因杀人而被捕,判处死刑。他说:“杀了一个人就说这人是罪犯,杀了几百万人却说他是英雄。在这个世界上,只要有权势就能获得成功……” 为此美国政府掀起对卓别林的迫害。《凡尔杜先生》在美国许多大城市被禁映。1947年12月,卓别林在巴黎报纸上发表了一篇题为“我向好莱坞宣战”的文章,向全世界控诉他所遭遇的迫害。 1952年9月,为参加欧洲各国举行的《舞台生涯》首映典礼,卓别林准备到欧洲旅行半年。他带着家眷,当轮船横渡大西洋时,收音机广播了美国政府司法部的声明,声明说政府将拒绝卓别林再入境。船在法国停泊时,卓别林向一百多名记者发表了谈话,他说:“我信仰自由,这是我全部政治见解……我为人人,这是我的天性。”又说:“我并不想制造革命,只是还要拍些电影。” 《舞台生涯》

1953年初,奥娜代表她丈夫回美国出席联美公司董事会,卖掉了卓别林在美国的全部财产,并把他的手稿、影片等珍贵资料运往瑞士。从这以后卓别林下定决心不再返回美国。从此,他在日内瓦湖北岸、风景优美的维薇镇定居下来。从定居瑞士起,卓别林就着手撰写回忆录。50年代末完成了40万字的《我的自传》,他以惊人的记忆回忆了自己艰苦奋斗的一生。 60年代和越战的来临,使卓别林在美国的命运再度被改变。1963年,他在纽约组织了自己的电影节。1972年,他在奥斯卡有史以来最热烈且持续时间最长的起立鼓掌声中,接受了美国电影学院颁发的奥斯卡特殊成就奖。1972年造访美国期间,83岁高龄的卓别林说自己早已放弃了激进的政治主张。 1977年12月25日,88岁高龄的世界杰出的喜剧大师与世长辞了。

毕业于青岛科技大学,国际经济与贸易专业,从事外贸工作3年,外贸业务娴熟,英语熟练

卓别林自1889年4月16日出生于下伦敦南沃克区东沃尔沃斯大街,但当地并没有他的确切出生证明文件。父母都是演员,他从小加入了当时的一个少年剧团。在经过数周的训练之后,杰克逊很快选定了剧团表演舞蹈的成员。1900年的圣诞节,这个名叫兰开夏的剧团得到了在舞剧《灰姑娘》中演出厨房中的动物们的机会。在这场戏中,年幼的卓别林装扮成一只猫,并第一次有机会通过表演来引人发笑。从此开始了他的喜剧生涯。

卓别林一生出演了多部喜剧电影,如《纽约王》《舞台生涯》《杀人狂时代》《大独裁者》《摩登时代》《城市之光》《大马戏团》《淘金者》《移民者》等,深受广大观众的喜爱。

卓别林是西方电影史上举足轻重的人物。中国喜剧教主周星驰称他“无可替代”,影帝马龙·白兰度称他是“我遇见过的最大号虐待狂”,“米老鼠之父”迪士尼用他的笑容创造了米老鼠……在他的电影首映场上,爱因斯坦在影片将近尾声时擦起了眼泪,并从此认定,卓别林“会是个伟人”;中国总理周恩来特意请他吃烤鸭喝茅台酒;伊丽莎白女王亲自加封他为爵士;而为了看到他的《大独裁者》,查理·卓别林纳粹特务专门从葡萄牙买了整部胶片运进德国,特供希特勒一人观看……而他也从未否认,自己是“犹太天才”。